En estado crítico / Sobre políticas y economías del Arte en el eje noroeste. LIBA en Baleiro.

La semana pasada hemos asistido a la presentación de la publicación En estado crítico. Una iniciativa editorial del colectivo LIBA (Laboratorio de investigación en Bellas Artes) realizada con el apoyo del departamento de escultura de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra.
En el local de Baleiro, más personas que sillas (que son 40): alumnos, coordinadores y directores del Máster en Arte, Museología y Críticas contemporáneas de la U.S.C., profesores de la Facultad de Historia del Arte, comisario-críticos locales, amigos, artistas, compañeros y algún miembro de colectivos más o menos impersonales.
Primeros diez minutos para un algo breve debate planteado por María Marco al resto de la mesa. La mesa: Miguel Anxo Rodríguez, Ania González, Renata Otero, Beli Martínez, Martín Caeiro y María Magán.
Cómo mantenerse como trabajadores en el campo de la producción artística y compatibilizar la posible remuneración con la libertad e independencia de los contenidos fue la cuestión a debate.
Primeras aportaciones de Renata Otero en las que declaraba su trabajo artístico como libre aunque en venta. Compartió con nosotros su experiencia personal de haber abandonado los circuítos comerciales y ceñirse a proyectos en los que tiene interés personal. Actividad que puede mantener gracias a fuentes de ingresos paralelas que son las que, en su caso, sostienen su libertad e independencia.
Ania González le pregunta a Renata a qué se refiere cuando comenta que su trabajo es libre. Esta le aclara que libre quiere decir, para ella, que no se pliega a las exigencias externas de otros agentes como galeristas o comisarios, en cuanto a contenidos.
Continúa Beli Martínez quien también comparte con todos nosotros su experiencia personal a la hora de seleccionar proyectos (audiovisuales en su caso) en los que se siente cómoda y a los que cree, puede aportar; trabajar por tanto, gratuitamente para mantener esa independencia y libertad de contenidos y ayudarse de otras fuentes de ingresos es su propuesta.
Creemos recordar, sin traicionar el orden de intervenciones, que toma la palabra en ese momento Ania González. Defiende primero una postura no personal sino voz de una experiencia y un trabajo común con muchos otros grupos, colectivos, y compañeros durante los últimos meses y reivindica hacer una primera distinción: no es lo mismo hablar de los beneficios obtenidos de la venta de un objeto artístico determinado dentro de los circuítos mercantiles habituales que la remuneración básica y en todo caso exigible de los procesos de trabajo en los que los artistas o productores de “cultura” participan, sobre todo, en relación con otros agentes culturales de más poder.
Es ahí cuando Miguel Anxo Rodríguez, tratando de articular el debate lanza la cuestión en torno a la que él considera comienza a girar, la mesa: La independencia o autonomía del artista frente a la necesidad de dignificación del trabajo artístico. Renata Otero recibe la pregunta y apunta que para ella no es lo mismo la dignidad del trabajador que el hecho de que su trabajo sea digno y nos aclara que pese a haber escogido otro tipo de posición en el Arte, envidia y respeta a esos artistas que, por juventud, trabajan en la calle de manera más o menos clandestina o combativa en entornos de espacio público. Ania González rebate tal cuestión explicando que le parece oportuno aclarar que el hecho de dedicarse o no al trabajo artístico en la calle no le parece una cuestión de juventud o de frescura sino de un radical, entre otros, posicionamiento polítco y vital y nos recuerda que, tal y como decía Nietzsche se trata de elegir modos de vivir y hacerse la siguiente pregunta: ¿serán, estos modos de vivir, suficientemente artísticos?. Reivindica por último el trabajo artístico como forma de vida con todas las dificultades que eso implica para ganársela, económicamente, la vida.
Toma la palabra Martín Caeiro y comenta (en torno a algo que de forma general se ha planteado entre todos: la necesidad de articular comunidades y colectividades capaces de negociación frente a otros agentes culturales) que la individualidad de los artistas es algo necesario y pertinente para articular una cierta competencia y mantener ciertos criterios de calidad y excelencia. También apunta un modelo de producción/distribución algo olvidado, en su opinión: la relación directa del artista con el comprador o coleccionista en la que el artista es libre de fijar precio, asumir (o no) obligaciones fiscales, etc…
María Marco interviene y vuelve a hacer hincapié en la necesidad de articular comunidades capaces para la gestión, reivindicación y fortalecimiento de la posición de los productores culturales como trabajadores cuando estos están inmersos en relaciones que, aunque disfrazadas, están dirigidas a obtener un rendimiento sea este económico, social, electoral o de visibilidad. Se da por terminado el debate, sin intervención del público al que se nos ofrece hacer cualquier intervención que consideremos oportuna y pasamos directamente a los vinos.

Vinos varios, amigos, nuevas presentaciones, reencuentros, pinchitos con frutas variadas, salado y dulce en el patio de Baleiro y ocasión para seguir debatiendo y comentando nuevos proyectos y necesidades reales que cubrir con propuestas factibles en un ambiente de entusiasmo primaveral y de ilusión por tener bajo el brazo un ejemplar del nuevo libro.

Entramos de nuevo, en el local y nos secuestra una experiencia estético-sonora que no esperábamos. Celia Adrián al acordeón interpretando una Melodía de Toshio Hokosawa y María Marco al ordenador construyendo en directo los visuales sobre la pieza Patriotism de Mishima.
El sonido nos sostuvo, en un instante abierto a manchas de piel, pelo, sangre, color, olas y fuegos articifiales retráctiles y centrales nucleares humeantes en la imagen, durante 13 minutos.

Emocionados, de nuevo, salimos a la segunda ronda de vinos y pinchos en el patio para acabar la noche bailando, en Baleiro, con el trabajo de Vanesa Iglesias y su musicalcuratorship.

Un gran día!

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